Autor: Karl Laurinat

Die Wahl des richtigen Zeichenmediums ist ein wichtiger Aspekt im künstlerischen Schaffensprozess, denn jedes Medium bringt eigene Ausdrucksmöglichkeiten und Grenzen mit sich. So ermöglicht etwa der weiche Bleistift feinste Schattierungen und Detailarbeit, ideal für realistische Portraits oder naturgetreue Studien. Im Gegensatz dazu erzeugt Kohle kräftige, ausdrucksstarke Linien und eignet sich hervorragend für dynamische Skizzen oder experimentelle Kompositionen. Marker und Filzstifte bieten klare Konturen, was sie besonders für kontraststarke Zeichnungen und Illustrationen prädestiniert. Die bewusste Entscheidung für ein Zeichenmedium beeinflusst somit die Wirkung und Aussage einer Zeichnung.

Die Wahl des Zeichenmediums hängt auch wesentlich vom Untergrund (Bildträger) und seiner Farbigkeit ab.

Gegenstände zeichnen

Wenn du einen Gegenstand realistisch bzw. wirklichkeitsnah zeichnen zu können, musst du seinen Körper genau untersuchen und verstehen. Indem du ihn sehr genau betrachtest, „begreifst“ du (mit den Augen), wie die einzelnen Formen ineinander übergehen. Dann fällt es dir leichter, Licht und Schatten an den richtigen Stellen darzustellen. Dadurch erscheint der Gegenstand plastisch (körperhaft).

Es empfiehlt sich, den Gegenstand schrittweise zeichnerisch aufzubauen:

1. Grobes Erfassen des Gegenstandes (Gesamtform)
   Man bestimmt zunächst die Position des Gegenstandes auf dem Papier (wenn weitere Gegenstände hinzukommen, bestimmt man damit schon grob die Gesamtkomposition der Zeichnung).
   Anschließend versucht man, den Umriss des Gegenstandes zu erfassen. Zeichnet man diese den Umriss suchenden Linien zart (Empfehlung: helle Linien durch Bleistifte von 2H bis HB), kann man diese bei der weiteren Ausarbeitung stehen lassen.
   Dann untersucht man den Gegenstand hinsichtlich der ineinandergreifenden Formen: Rundungen und Höhlungen werden mittels Linien („Binnenlinien“) nachgefahren, wobei man versucht, den Formverlauf gedanklich nachzuvollziehen („Formlinien“).
2. Zeichnen der Details
   Beim Einzeichnen von Details kann man sich an den bereits gezeichneten Binnenlinien orientieren. Ein genaues, konzentriertes Hinsehen ist auch hier erforderlich. Hierbei kann man einen etwas weicheren Bleistift (B, 2B) verwenden, da seine Linien stärker zu sehen sind.
3. Differenzieren von Licht und Schatten
   Für die plastische (körperhafte) Darstellung des Gegenstandes, müssen Licht- und Schattenpartien ausgearbeitet werden.
   Es empfiehlt sich die Verwendung einer sorgfältigen Schraffur. An Stellen, an denen Schatten zu sehen sind, setzt man parallele Schraffuren. Je kleiner der Abstand zwischen den Parallelen ist, desto dunkler wirkt die Fläche. Noch dunklere Stellen erhält man, wenn man die bereits gesetzte Parallelschraffur durch weitere, leicht versetzte Parallelen kreuzt.
   Bei hellen Stellen sollte der Abstand zwischen den Parallelengrößer sein. Die hellsten Stellen lässt man als Fläche frei.

Wie eine Gegenstandszeichnung zu einem Stillleben weiterentwickelt werden kann, kannst du auf der folgenden Lehrbuchseite nachlesen:

Figuren zeichnen

Räume zeichnen / perspektivisch zeichnen

Quellen:
Bickelhaupt, Thomas (2014): Grafik. Theorie – Praxis – Geschichte. Stuttgart: Ernst Klett Verlag.
Sowa/Glas/Seydel (2010) (Hrsg.): Kunst. Arbeitsbuch 2. Stuttgart: Ernst Klett Verlag, S. 130f.

Die Maltechnik bzw. das Malmaterial und der Farbauftrag selbst haben Einfluss auf die Bildwirkung und müssen vom malenden Künstler gezielt eingesetzt werden.

Farben werden von Künstlern in Bildern auf unterschiedliche Weisen
eingesetzt. Grundlegend wird dabei zwischen der Betonung des Darstellungswertes der Farbe in einem Bild und der Betonung ihres Eigenwertes unterschieden. Der Darstellungswert bezieht sich auf die funktionale Rolle der Farbe, wie sie einen Gegenstand oder eine Szene darstellt. Man erkennt also eine hohe Annäherung an die farbige Wirklichkeit. Der Eigenwert hingegen betont die unabhängige, expressive (emotionale) Kraft der Farbe, losgelöst von ihrer abbildenden Funktion. Im Bild ist also eine Negation der farbigen Realität erkennbar.

Farben können in Bildern unterschiedliche Funktionen übernehmen und entsprechend die Bildwirkung beeinflussen.

Lokal- oder Gegenstandsfarbe

Man spricht von Lokal- und Gegenstandsfarbe, wenn ein Künstler in seinem Bild Gegenstände so darstellt, wie sie in ihrem Wesen sind und wie wir sie kennen.

Symbolfarbe

Beispiele für die Farbsymbolik im europäischen Raum:
// Blau: Kälte, Treue, Freiheit, Himmel, Himmlisches (Christentum)
// Grün: Hoffnung, Ruhe, Naturverbundenheit
// Rot: Wärme, christliche Nächstenliebe, Opfertod Christi, Leidenschaft/Liebe, Sozialismus
// Weiß: Neutralität, Reinheit, „Unschuld“
// Schwarz: Trauer/Melancholie, Nacht/Dunkelheit

Erscheinungsfarbe

Die Impressionisten waren es, die durch ihre Gestaltungsidee Gegenstände so darzustellen, wie sie unter ganz besonderen Lichtverhältnissen erscheinen, der Farbe zu einer neuen Funktion verhelfen.

Ausdrucksfarbe

Wählt ein Künstler die Farben seines Bildes um Gefühle, Stimmungen, seelische Zustände oder ästhetische Empfindungen sichtbar zu machen, hat die Farbe die Funktion der Ausdrucksfarbe.

Diese Funktion kam der Farbe verstärkt seit Beginn des 20. Jahrhunderts zu, als die Expressionisten (lat.: expressio = Ausdruck) Dinge nicht nur darstellen wollten, sondern etwas ausdrücken wollten, was hinter den Dingen ist, wie sie die Dinge und Erscheinungen unserer Welt interpretierten.

Farbe und Form können so stark verändert sein, dass das Abgebildete kaum ein Motiv aus dem realen Leben erkennen lässt – der Abstraktionsgrad steigt bis zum Abstrakten (Ungegenständlichen).

Absolute bzw. autonome Farbe

Absolute Farben kommen bei Bildern zum Einsatz, wo es keinen Gegenstand gibt, sondern nur abstrakte Objekte wie farbige geometrische Flächen.

Eine ausführliche Erläuterung der Farbfunktionen findest du hier:

Quelle:
Krämer, Torsten (2013): Farbe. Wahrnehmung – Konzepte – Wirkung. Stuttgart: Ernst Klett Verlag GmbH. S. 48-52.